국립심포니오케스트라, 쇼스타코비치 교향곡 1번 서막을 열다

제공_국립심포니오케스트라

20세기는 음악이 스스로의 언어를 의심하고, 해체하며, 다시 구성해 나간 시대였다. 조화와 균형이라는 고전적 이상은 더 이상 절대적 기준이 될 수 없었고, 작곡가들은 불안과 냉소, 아이러니를 음악의 중심 어법으로 끌어들였다.

국립심포니오케스트라가 지난 2월 11일 선보인 제261회 정기연주회 〈쇼스타코비치, 교향곡 1번〉은 바로 그 시대의 내면을 정면으로 응시한 무대였다. 이번 공연에서 국립심포니는 알프레트 슈니트케, 세르게이 프로코피예프, 드미트리 쇼스타코비치라는 세 작곡가를 하나의 프로그램으로 엮으며 ‘같은 시대, 서로 다른 언어’라는 명제를 음악적으로 풀어냈다.

더불어 이 무대는 음악감독 로베르토 아바도의 체제 아래 선보이는 첫 정기연주회로, 국립심포니가 앞으로 지향할 미학적 태도를 가늠하게 하는 중요한 이정표이기도 했다. 공연의 문을 연 작품은 슈니트케의 〈한여름 밤의 꿈이(아니)다〉였다. 셰익스피어의 환상적 세계를 연상시키는 제목과 달리, 음악은 처음부터 안정된 균형을 거부한다.

고전적 어법으로 출발한 선율은 곧 여러 시대의 음악 언어가 콜라주처럼 겹쳐지며 일그러지고, 우아함과 불협, 친숙함과 낯섦이 교차하는 구조 속에서 ‘아름다움’이라는 개념 자체를 의심하게 만든다. 국립심포니는 이 복합적인 음악을 과장 없이 정밀하게 다루며, 표면 아래 잠재된 긴장과 균열을 차분하게 드러냈다.

이어진 프로코피예프의 신포니아 콘체르탄테는 협주곡과 교향곡의 경계를 흐리는 작품답게, 첼로와 오케스트라가 끊임없이 대립하고 교섭하는 서사를 펼쳐 보였다. 첼로 독주는 단순한 기교의 과시를 넘어, 날카로운 선율과 깊이 있는 음색으로 음악의 중심을 이끌었고, 오케스트라는 반주의 위치에 머무르지 않은 채 때로는 첼로를 밀어내고, 때로는 감싸 안으며 동등한 존재감을 유지했다.

이 팽팽한 관계는 작품 전반에 지속적인 긴장감을 부여하며 ‘교향적 협주곡’이라는 장르적 성격을 분명히 각인시켰다.

협연자로 나선 첼리스트 니콜라스 알트슈태트는 절제된 몸짓 속에서 밀도 높은 해석을 선보였다. 극한의 기교가 요구되는 순간에도 음악의 구조를 흐트러뜨리지 않았고, 오케스트라와의 호흡 속에서 긴장과 균형을 정교하게 조율했다.

고전과 현대를 넘나드는 그의 해석은 작품이 지닌 냉철함과 열정을 동시에 부각시키며 깊은 여운을 남겼다. 공연의 대미를 장식한 작품은 쇼스타코비치의 교향곡 제1번이었다. 열아홉의 젊은 작곡가가 남긴 이 데뷔작은 ‘천재의 등장’이라는 수사로 환원되기에는 지나치게 복합적인 작품이다.

전통적인 교향곡 형식을 따르면서도, 그 내부에는 재치와 풍자, 냉소가 교묘하게 스며 있으며, 경쾌한 리듬과 투명한 오케스트레이션 뒤편에는 언제든 균열이 드러날 것 같은 긴장이 자리한다. 국립심포니는 이 작품에서 감정을 과잉해석하기보다 구조와 대비를 명확히 드러내는 해석을 택했다. 밝게 치고 나가는 순간에도 서늘한 그림자를 놓치지 않았고, 유머와 비애가 교차하는 쇼스타코비치 특유의 아이러니를 담담하게 드러냈다.

이는 젊은 작곡가의 재능을 과장하기보다, 그 음악이 품고 있는 시대적 감각을 정직하게 전달하는 선택이었다. 이번 연주회는 화려한 효과보다는 ‘읽히는 음악’을 지향했다는 점에서 인상적이었다.

슈니트케의 불안, 프로코피예프의 긴장, 쇼스타코비치의 아이러니는 서로 다른 언어로 쓰였지만, 하나의 시대적 정서로 수렴되며 관객에게 질문을 던졌다. 음악은 무엇을 말할 수 있는가, 그리고 시대의 불안을 어떻게 견뎌낼 수 있는가.

아바도 체제의 첫 정기 무대는 조용하지만 분명한 선언에 가까웠다. 국립심포니오케스트라는 이번 공연을 통해 20세기 음악을 ‘어렵다’거나 ‘실험적이다’라는 단순한 범주에 가두지 않고, 그 안에 담긴 감정과 사유를 정제된 언어로 전달할 수 있음을 보여주었다.

아이러니와 긴장이 공존하는 음악의 얼굴을 통해, 국립심포니는 새로운 시즌의 방향을 차분하면서도 또렷하게 제시했다.

위클리피플 이나현 기자

위클리피플 인물지식가이드저널

news@weeklypeople.netㅣ02.6925.6946